Selected Texts & Essays
This archive traces the artistic development of Jan Kyo across different phases of his practice. Works, exhibitions and publications prior to 2026 were released under the artist’s former name, Jan Kilian Böttcher.
• ↓ Biografie – Julia Cortez (Curator) & Artist Statement | DE/EN
• ↓ Artist Statement | DE/EN
• ↓” Human Data / Landscapes” Empirical Series – Artist Statement | DE/EN
• ↓ “Social Scripts/ White Rooms / Raster" Series – Artist Statement | DE/EN
• ↓ Curatorial Text: Marcel Fišer [DE]
• ↓”Social Scripts" Series – Text by Pavel Vancat (Curator) [EN]
• ↓”White Rooms” | DE/EN
• ↓ DIGITAL PRESENCES: Paradigms & Binary Fossils | 2019 – 2025
- Curatorial Text by Thomas Weidel | DE/EN
• ↓ Essays: Keingedicht – A History of White Rooms
• ↓ Diploma Thesis| HfBK Dresden (2013) | DE/EN
Bio (Eng / De)
BIOGRAPHY & PRACTICE (Eng)
Jan Kyo develops interdisciplinary works spanning painting, drawing, installation, sound, animation, and digital image spaces. At the core of his practice are complex interrelations that he seeks to render visible and perceptible. His work examines the systems through which perception is constructed and the role each medium plays within that process.
Many works begin with a question, a thought, or an internal thought experiment. Instead of starting from sketches, they often originate as imagined images that gradually take shape through observation, reflection, and research.
Born in East Berlin and shaped by the cultural transformations following German reunification, Kyo developed an early and lasting interest in urban visual cultures, street art, music, and the dynamics of social space. A recurring concern throughout his work is how different individuals interpret the same situation in fundamentally different ways.
After foundational studies at Bauhaus University Weimar, Kyo completed his diploma and postgraduate studies under Martin Honert at the Dresden Academy of Fine Arts. His work has been exhibited in numerous national and international institutions, including the Kunstmuseum Weimar, the Albertinum Dresden, the Academy of Arts Berlin, and the DOX Centre for Contemporary Art in Prague.
For Kyo, the choice of medium is conceptual. Each medium creates its own conditions of visibility and shapes what can be represented. Painting, drawing, digital image-making, 3D, pixel art, sound, and animation function as interconnected tools for exploring processes of translation between media, while also examining the specific qualities of each medium.
Research is not a preparatory phase but an integral part of his visual thinking. He draws extensively on visual and academic research in art history, psychology, sociology, and cultural theory. These references are condensed into visual ideas that make complex relationships more accessible, often accompanied by subtle irony.
“Research, quite literally, is part of the process of forming an image.”
Fragmentation, condensation, and translation are central strategies throughout his practice. Figures, landscapes, and situations are observed, transformed, and reconfigured into new visual constellations, often resulting in multilayered, at times anthropomorphic image worlds.
Analytical thinking and intuitive practice work in constant dialogue. Many pieces emerge from the interplay between structured observation and associative openness. Some ideas develop over years, while others are deliberately set aside until sufficient clarity or distance has been gained. His images often appear immediate and self-assured, yet they result from extended processes of reduction, revision, and refinement.
Humor and ambiguity play a central role. Humor often emerges where people act against their own internal logic, enabling a more distanced and precise reading of complex situations. He is drawn to absurd constellations, subtle shifts, and moments in which familiar interpretations begin to destabilize.
Although many works depict figurative situations, they rarely tell complete stories. Instead, they investigate how stories, perspectives, and meanings come into being. Figures, landscapes, and scenes function as starting points rather than narrative endpoints.
Clarity takes precedence over beauty, and irritation over harmony. At the same time, Kyo is a strongly visual artist, working intensively with color, composition, and atmosphere. Precision is not an end in itself but a means of sharpening perception and intensifying visual tension.
For Jan Kyo, art means shifting perception and sharing discoveries – new perspectives, unexpected connections, or brief moments that interrupt habitual ways of seeing. His works rarely provide definitive answers, instead opening spaces for alternative readings of the world.
— Text in collaboration with Julia Cortez
Berlin, 2024
Artist Statement
My work investigates the mechanisms of perception and the construction of social image worlds, questioning how reality is shaped through cultural codes, systemic structures, media systems, and individual modes of interpretation.
My practice emerges from the tension between analytical research and immediate observation. It moves between observation, intuition, and condensation, drawing on sources ranging from cinematic fragments, landscapes, and visual environments to complex social constellations.
I do not understand media as separate disciplines, but as an open-access archive and as distinct conditions of perception. Rather than being bound to individual disciplines, my work follows the inner necessity of the concept and employs a vocabulary of painting, pixel art, sound, drawing, and found material. Form is not a fixed outcome, but a variable within the investigation: some works remain within a single medium, while others emerge through translation, layering, or spatial extension.
A central concern is how formats structure perception and how the conditions and limitations of individual media can be made visible. Through fragments, grids, gaps, digital shifts, and spatial interventions, images are constructed, exposed, and simultaneously destabilized.
A recurring focus is the investigation of immediate perception—the brief moment before cognitive interpretation sets in.
I do not use narrative structures to tell stories, but as a tool for observation, the generation of meaning, and the displacement or distortion of perception. I am interested in everyday and liminal situations, states of stasis, and moments of disruption. Humor plays a central role: it often emerges where individuals act against their own internal logic, allowing for a more distanced and precise reading of complex situations.
For me, research is not a preparatory step, but an integral part of visual thinking itself—an attempt to confront assumptions with observation and to sharpen perception. Grounded in the fundamental experience of drawing, I aim to translate this “open look” into a practice that remains permeable and receptive: we often do not depict what we see, but what we believe we see. This gap forms a starting point for my work.
I understand my works as semipermeable structures: self-contained and at the same time permeable, open to new projections. They are not closed statements, but systems that enable, shift, and expand perception.
Portrait of Jan Kyo by Florian Breyer
(Photography, 2011)
In this series, Florian Breyer explores the concept of identity through pop-art influenced alienation. These works mark a pivotal period of transition, bridging the time before and after I expanded my practice into digital media while maintaining my ongoing commitment to film photography, painting, and drawing. They serve as a visual reflection of my artistic evolution from my earlier works as Jan Kilian Böttcher / Boettcher to my current practice as Jan Kyo.
Berlin, 2018/2026
Biografie & Arbeitsweise (De)
Jan Kyo entwickelt interdisziplinäre Arbeiten zwischen Malerei, Zeichnung, Installation, Klang, Animation und digitalem Bildraum. Im Zentrum seiner Praxis stehen komplexe Zusammenhänge – nicht, um sie zu vergrößern, sondern um sie sichtbar und erfahrbar zu machen. Dabei untersucht er weniger Wahrnehmung selbst als die Systeme, durch die Wahrnehmung entsteht, sowie die Rolle der jeweiligen Medien in diesem Prozess.
Seine Arbeit beginnt häufig mit einer Frage, einem Gedanken oder einem inneren Gedankenexperiment. Viele Werke entstehen nicht aus einer Skizze, sondern aus einer Vorstellung, die sich im Prozess von Beobachtung, Reflexion und Recherche konkretisiert.
Geboren in Ost-Berlin, geprägt von den kulturellen Umbrüchen der Nachwendezeit, entwickelte er aus frühen Einflüssen von Streetart, Musik und urbaner Kultur eine anhaltende Auseinandersetzung mit zeitgenössischen Bildwelten, öffentlichen Räumen und sozialen Dynamiken. Die Frage, wie unterschiedliche Menschen dieselbe Situation grundlegend verschieden wahrnehmen und deuten, zieht sich bis heute durch seine Arbeit.
Nach dem Grundstudium an der Bauhaus-Universität Weimar absolvierte Kyo sein Diplom sowie die Meisterschülerzeit bei Martin Honert an der Hochschule für Bildende Künste Dresden. Seine Arbeiten wurden im In- und Ausland gezeigt, darunter im Kunstmuseum Weimar, im Albertinum Dresden, an der Akademie der Künste Berlin sowie im DOX Centre for Contemporary Art in Prag.
Die Wahl des Mediums trifft Kyo weniger stilistisch als inhaltlich. Jedes Medium bringt eigene Bedingungen der Sichtbarkeit hervor und verändert, was überhaupt dargestellt werden kann. Zeichnung, Malerei, digitale Bildbearbeitung, 3D, Pixel Art, Klang und Animation sind keine getrennten Disziplinen, sondern Werkzeuge, um mediale Übersetzungsprozesse sichtbar zu machen.
Recherche ist kein vorbereitender Schritt, sondern Teil des bildnerischen Denkens selbst. Kyo arbeitet über längere Zeiträume mit visuellen und wissenschaftlichen Recherchen aus Kunstgeschichte, Psychologie, Soziologie und Kulturtheorie. Die gewonnenen Erkenntnisse verdichtet er zu Bildideen, die komplexe Zusammenhänge klar erfahrbar machen. Dabei spielt ein subtiler, oft ironischer Blick auf die Welt eine wichtige Rolle.
„Recherche ist im wahrsten Sinne des Wortes Teil davon, sich ein Bild zu machen.“
Fragmentierung, Verdichtung und Übertragung sind zentrale Strategien seiner Arbeit. Figuren, Landschaften und Situationen werden sowohl beobachtet als auch transformiert und in neue visuelle Zusammenhänge überführt – häufig in spannungsvolle, teilweise anthropomorphe Bildwelten.
Analytisches Denken und intuitive Herangehensweise stehen dabei nicht im Widerspruch. Viele Arbeiten entstehen im Wechsel zwischen strukturierter Beobachtung und assoziativer Offenheit. Manche Ideen werden über Jahre entwickelt, andere bewusst verworfen, wenn Klarheit oder notwendiger Abstand fehlen. Seine Bilder wirken oft unmittelbar, entstehen jedoch aus langen Prozessen der Verdichtung und Reduktion.
Humor und Ambivalenz sind dabei zentrale Elemente. Humor entsteht häufig dort, wo Menschen ihren eigenen Regeln widersprechen, und ermöglicht eine präzisere, distanzierte Sicht auf komplexe Situationen. Kyo interessiert sich für absurde Konstellationen, feine Verschiebungen und Momente, in denen vertraute Deutungen ins Wanken geraten.
Obwohl viele Arbeiten figurative Situationen zeigen, erzählen sie keine abgeschlossenen Geschichten. Sie untersuchen vielmehr, wie Geschichten, Perspektiven und Bedeutungen überhaupt entstehen. Figuren, Landschaften und Szenen dienen dabei als Ausgangspunkte, nicht als narrative Ziele.
Klarheit steht über Schönheit, Irritation über Harmonie. Gleichzeitig ist Kyo ein stark visueller Künstler, der intensiv mit Farbe, Komposition und Atmosphäre arbeitet. Präzision ist kein Selbstzweck, sondern ein Mittel zur Verdichtung und Schärfung von Wahrnehmung.
Für Jan Kyo bedeutet Kunst, Wahrnehmung zu verschieben und Entdeckungen zu teilen – neue Perspektiven, unerwartete Verbindungen oder kurze Momente, die gewohnte Sichtweisen unterbrechen. Seine Arbeiten liefern selten endgültige Antworten, sondern eröffnen Räume für neue Lesarten der Welt.
— Text in collaboration with Julia Cortez
Berlin, 2024
Artist Statement
Meine Arbeit untersucht die Mechanismen der Wahrnehmung und die Konstruktion gesellschaftlicher Bildwelten. Mich interessiert, wie Realität durch kulturelle Codes, mediale Systeme und individuelle Deutungsmuster geformt wird.
Meine Praxis entsteht aus der Reibung zwischen analytischer Recherche und unmittelbarer Beobachtung. Sie bewegt sich zwischen Beobachtung, Intuition und Verdichtung und nutzt Quellen von filmischen Fragmenten bis hin zu komplexen sozialen Situationen.
Ich verstehe Medien nicht als getrennte Disziplinen, sondern als frei zugängliches Archiv und als unterschiedliche Bedingungen der Wahrnehmung. Statt einzelnen Disziplinen folgt meine Arbeit der inneren Logik eines Konzepts und nutzt ein Vokabular aus Malerei, Pixel-Art, Sound, Zeichnung und gefundenem Material. Die Form ist dabei kein festes Ergebnis, sondern eine Variable der Untersuchung: Einige Arbeiten bleiben innerhalb eines Mediums, andere entstehen durch Übersetzung, Schichtung oder räumliche Erweiterung.
Ein zentrales Interesse gilt der Frage, wie Formate Wahrnehmung strukturieren und wie die Bedingungen und Grenzen einzelner Medien sichtbar werden. Dabei entstehen durch Ausschnitte, Raster, Leerstellen, digitale Verschiebungen oder räumliche Eingriffe Bilder, die sich gleichzeitig konstruieren, offenlegen und wieder destabilisieren.
Ein wiederkehrender Kern ist die Untersuchung der unmittelbaren Wahrnehmung – jener Moment, bevor eine kognitive Einordnung einsetzt.
Narrative Strukturen nutze ich nicht zum Erzählen von Geschichten, sondern als Werkzeug der Beobachtung und Bedeutungsverschiebung. Mich interessieren Alltags- und Grenzsituationen, Zustände der Stagnation sowie Momente der Irritation. Humor spielt dabei eine zentrale Rolle: Er entsteht häufig dort, wo Menschen in Widerspruch zu ihren eigenen Regeln geraten, und ermöglicht eine distanzierte, präzisere Wahrnehmung komplexer Situationen.
Recherche ist für mich kein vorbereitender Schritt, sondern Teil des bildnerischen Denkens selbst – der Versuch, Annahmen mit Beobachtung zu konfrontieren und den eigenen Blick zu schärfen. Dabei bleibt eine grundlegende Erfahrung des Zeichnens zentral: dass wir oft nicht das darstellen, was wir sehen, sondern das, was wir zu sehen glauben. Diese Differenz bildet einen Ausgangspunkt meiner Arbeit.
Ich verstehe meine Arbeiten als semipermeable Strukturen: in sich geschlossen und zugleich durchlässig, verbindlich für neue Projektionen. Keine abgeschlossenen Aussagen, sondern Systeme, die Wahrnehmung ermöglichen, verschieben und erweitern.
Berlin, 2018/2026
Landshapes: Empirical Studies
Grautöne gealterter, körniger Schwarzweißfotografien, Überbelichtung und Formen des Hervorhebens prägen meine Arbeit. Hier finde ich Verbindungen zwischen Abstraktion und Gegenstand. Die Freiluftarbeiten entstehen fast ausschließlich im direkten Gegenüber zur Natur, in kleinen bis großen Formaten. Farbe, Form und Bildinhalt begreife ich als Einheit: Komposition.
Ich finde singuläre Formen, Bilder, Stimmungen und Koinzidenzen – häufig in Landschaften, Orten oder beiläufigen Arrangements. Konstellationen, die wie gesampelt wirken, ohne es zu sein. Diese Zufälle bringen immer neue Variationen hervor, aus denen ich auf dem Weg zu für mich gültigen Bildformeln Ausschnitte sichtbar mache.
Ist es die Suche nach dem Essentiellen, die Kunst mit Schönheit verbindet?
Ich erfasse diese Ausschnitte, wie ich sie vorfinde, ohne sie zu konservieren, und verbinde sie mit dem leeren, freistehenden Malgrund. Im Gegensatz zur Fotografie arbeite ich mit Ausschnitten im Ausschnitt. So lenke ich den Blick über das Motiv hinaus in das weiß bleibende, rahmenlose Umfeld – und zurück.
Meine Kompositionen erweitern durch die Formen der Ausschnitte das Bildformat, nehmen es auf und verändern es. Dieses Spiel mit Bildformaten und Bildausschnitten ermöglicht eine Konzentration auf das Essentielle.
Ich möchte, dass sich die Arbeiten – auch in der Natur – als visuell eigenständige Wesen behaupten: wie Zellen, semipermeabel, halb durchlässig und zugleich in sich geschlossen.
Berlin, 2022
Landshapes:
Empirical Studies
Shades of aged, grainy black-and-white photographs, overexposure, and ways of highlighting shape my work. Here, I find connections between abstraction and object. The outdoor works are created almost exclusively in direct encounter with nature, in formats ranging from small to large. Color, form, and image content are understood as one: composition.
I find singular forms, images, moods, and coincidences—often in landscapes, places, or incidental arrangements. Constellations that appear sampled without actually being so. These chance encounters continuously produce new variations, from which I make fragments visible on my way toward image formulas that feel valid to me.
Is it the search for the essential that connects art with beauty?
I capture these fragments as I find them, without preserving them, and connect them to the empty, freestanding painting surface. In contrast to photography, I work with excerpts within excerpts. In this way, the gaze is guided beyond the motif into the white, frameless surrounding space—and back again.
Through the shapes of these excerpts, my compositions expand the image format, take it in, and modify it. This play with formats and image fragments allows a focus on the essential.
I want the works—also in nature—to assert themselves as visually independent entities: like cells, semi-permeable, partially open and at the same time self-contained.
Berlin, 2022
Human Data:
Empirical Studies
Diese Portraits entstehen unterwegs und ohne fotografische Hilfsmittel.
Während die zeitgenössische Malerei oft auf fotografische Vorlagen zurückgreift, suche ich bevorzugt die Unmittelbarkeit der direkten Beobachtung. Dieser Verzicht auf mediale Filter bewahrt eine spezifische Rohheit und Dynamik: Jede Linie ist eine Entscheidung zwischen Meditation und Widerstand, die über das bloße Abbild hinausgeht.
Gerhardt Richter hat Fotografien als Stilmittel benutzt und bei wenigen Künstlerinnen und Künstlern um die Jahrhundertwende, die für Authentizität stehen wie Edvard Munch, Anders Zorn und Degas, fällt es oft nicht auf. Im Grunde wurden Bilder schon immer mit Hilfe vieler technischer Hilfsmittel erschaffen. Doch bietet die direkte Wiedergabe eine zusätzliche Dynamik, spätestens unter Zeitdruck. Jede Linie kann ihr Ziel verfehlen – und diese Fehler stehen für sich, zwischen Meditation und Kampf.
Fotografie und Film beeinflussen meine Arbeit dennoch stark, insbesondere durch Künstlerinnen und Künstler wie Diane Arbus, Luis Buñuel, August Sander oder Eadweard Muybridge. Technisch minderwertige, alte Schwarz-Weiß-Fotos – wie die von Miroslav Tichý – bergen für mich die schönsten chemischen Explosionen in ihren Körnungen. Während Fotografie und Film aus Licht entstehen, arbeitet Malerei mit Materie. Aber theoretisch lässt sich Materie in Licht umwandeln, wenn die eingesetzte Energie mindestens so groß ist wie die Masse der neuen Teilchen.
In der Malerei und Zeichnung fällt mir dies vor allem bei Adolph von Menzel auf. Er schöpft aus jedem Medium und jeder Technik das absolut Machbare entsprechend der Vision.
Ich bezeichne die neuen Partikel als 'Entstehung menschenähnlicher Daten – nachgeahmte Figuren wie aus Lehm, ähnlich einem Homunkulus. Die persönliche Perspektive ist mir dabei genauso wichtig wie eine außerirdische oder wissenschaftliche Distanz.
Human Data:
Empirical Studies
Ich glaube nicht an Physiognomik – die Lehre, aus Gesichtszügen Charaktereigenschaften abzuleiten. Für mich stehen sachliche Aspekte und formelle Lösungen im Vordergrund. Alterungsprozesse sind ebenso spannend wie plastische Chirurgie.
Der Naturforscher Francis Galton entdeckte 1878 bei einer Studie an bekannten Verbrechern, dass fototechnisch überlagerte „gemittelte Gesichter“ attraktiver wirken. Auch Kant und Darwin sahen Schönheit im Mittelmaß, während neuere Studien nahelegen, dass bestimmte Abweichungen vom Mittelmaß die Anziehungskraft steigern.
Mich fasziniert, wie schwer sich selbst grobe oberflächliche Abweichungen wiedergeben lassen. Jedes Gesicht, jeder Konstitutionstyp spricht eine eigene Formensprache. An diese koppel ich den Duktus der Linien und die Ausführung der Zeichnung. So entsteht von Blatt zu Blatt ein gleichmäßiger Fächer uneinheitlicher Stile.
Berlin, 2018
Human Data:
Empirical Studies
These portraits are created on the go, without the use of photographic references. While contemporary painting often relies on photographic references, I seek the immediacy of direct observation. This rejection of medial filters preserves a specific rawness and dynamism: each line is a decision between meditation and resistance, moving far beyond a mere likeness. Gerhard Richter employed Photography as a stylistic device, and with a few artists around the turn of the century, known for their authenticity, such as Edvard Munch, Anders Zorn, and Degas, it often goes unnoticed. Essentially, images have always been created with the help of technical tools. Direct methods, however, infuse the works with dynamism. Each line can miss its mark—and these “failures” stand on their own, somewhere between meditation and struggle.
Photography and film still strongly influence my work, particularly through artists such as Diane Arbus, Luis Buñuel, August Sander, and Eadweard Muybridge. Technically imperfect, old black-and-white photos—like those by Miroslav Tichý—hold, for me, the most beautiful chemical explosions within their grains. While photography and film are based on light, painting works with matter. Theoretically, matter can even be transformed into light if the energy applied is at least equal to the mass of the new particles.
Among painters and artists who draw, I am particularly struck by Adolph von Menzel: he drew from every medium and technique to achieve the full potential of his vision.
I refer to these new particles as 'Emergent Humanoids'—figures molded like clay, akin to a homunculus. In my practice, the personal perspective holds equal weight to an extraterrestrial or scientific detachment
Human Data:
Empirical Studies and Physiognomy
I do not believe in physiognomy—the idea of deducing character traits from facial features. For me, factual aspects and formal solutions take precedence. Aging processes are as fascinating as plastic surgery.
The naturalist Francis Galton discovered in 1878, during a study of known criminals in which he superimposed their faces photographically, that “averaged faces” appeared more attractive. Kant and Darwin also located beauty in moderation, whereas newer studies suggest that certain deviations from the norm increase attractiveness.
I am fascinated by how difficult it is to capture even rough, surface-level deviations. Each face, each constitution, speaks its own visual language. I link the style of lines and the execution of each drawing to these traits, resulting in a consistent spectrum of disparate styles from sheet to sheet.
Berlin, 2018
White Rooms
Diese fortlaufende Werkserie untersucht die Dynamik menschlicher Existenz innerhalb der architektonischen Leere der weißen Leinwand. Durch die Balance zwischen spontanen figurativen Setzungen und einer rigorosen, forschungsbasierten Praxis fungieren diese Gemälde als Labor für soziale und psychologische Phänomene. Die Serie gliedert sich in vier thematische Themen – Convergence, Interference, Divergence und Paradox –, die das Spektrum von kommunaler Hingabe bis hin zu den Reibungen der Intimität, der radikalen Autonomie des Individuums und den Widersprüchen kollektiver Identität kartieren.
Innerhalb dieser Arbeiten fungiert der „weiße Raum“ nicht als bloßer Hintergrund, sondern als psychologische Null-Variante. Indem konventionelle erzählerische Settings entkleidet werden, sind die Figuren gezwungen, ihre Bedeutung ausschließlich aus ihren gegenseitigen Interaktionen oder aus den Barrieren zu beziehen, die durch starre, geometrische Raster vorgegeben sind. Dies erzeugt eine deutliche Lesbarkeits-Dichotomie: Indem die Werke zwischen klarer figurativer Repräsentation und abstrakter Opazität oszillieren, zwingen sie den Betrachter, das soziale Gefüge aktiv zu rekonstruieren. Menschliche Verbindung ist hier nie fixiert; sie ist ein Zustand, der kontinuierlich verhandelt und neu imaginiert wird.
Dieser analytische Ansatz wird durch eine fraktale Logik vertieft, insbesondere in der Paradox-Trajektorie. Hier werden monumentale Formen – Symbole von Macht, Begehren oder universellem Kampf – aus einem dichten Mosaik unabhängiger Vignetten konstruiert. Diese „Architektur der Zerbrechlichkeit“ spiegelt den soziologischen Prozess wider, in dem unsere kollektive Identität aus einer Vielzahl individueller, oft widersprüchlicher Mikro-Erfahrungen aufgebaut ist. Indem die Serie abstrakte universelle Themen in der rohen, unmittelbaren Realität menschlicher Geschichten verankert, enthüllt sie die fragmentierte, doch widerstandsfähige Struktur unserer geteilten Existenz.
Prozess und Genese
Die Serie besteht aus Arbeiten, die entweder spontan aus figurativen Gegenüberstellungen entstehen oder aus solchen, denen umfangreiche Recherchen zu gesellschaftlichen Strukturen vorausgehen. Ein Werk wie Salome entsteht impulsiv, inspiriert durch Filme und Lektüre. Komplexere Arbeiten wie A Short History of Violence entwickeln sich hingegen aus zahlreichen Ideenskizzen, Recherchen und Vorstudien.
Aus diesen Prozessen entstehen Szenen exemplarischer Einzelbilder – ohne Anspruch auf Objektivität oder eindeutige Lesbarkeit. Statt Deutungshoheit zu beanspruchen, spiele ich Lesearten und Sehgewohnheiten gegeneinander aus. Ich balanciere zwischen Lesbarkeit und Unlesbarkeit anhand fragmentarischer Artefakte meiner Vorstudien. Dennoch verfolge ich eine aufklärerische Idee: mir selbst und den Betrachtenden eine mögliche Neuordnung der Dinge zu eröffnen.
Ich arbeite mit einem spielerischen Umgang von Objekt und Subjekt durch vielfältige Codierungen – Aufzählungen, Wiederholungen und Gegenüberstellungen. Diese Codes, die Bedeutung abstrahieren, präzisieren oder relativieren können, entstehen aus der Nachbarschaft der im Bild gesetzten Elemente – wie eine Art Bild- oder Hieroglyphenschrift. Mein technisches Vokabular umfasst Bilderschrift, Sachbuch- und Comicillustration, klassische und moderne Techniken, Zeichnung und Gebrauchsgraphik.
Die zugrunde liegenden Recherchen kreisen um ein breites Spektrum an Themen: Popkultur, Gesellschaftspolitik, Philosophie, Alltags- und Mythologie, Soziologie, Kunstgeschichte, Evolution und Lifestyle. Die häufig verwendeten Spektralfarben der Serie basieren schließlich auf Prismen und einer Camera Obscura, die ich mit meinem Schlafzimmerfenster gebaut habe. Sie projizierte ein etwa einen Quadratmeter großes Abbild der belebten Straße auf meine Wand und schlug damit die Brücke zwischen der alltäglichen Realität der Straße und dem abstrahierten „weißen Raum“ der Leinwand.
Die vier Themen:
Paradox
Diese Serie erforscht die inhärenten Widersprüche der menschlichen Existenz. Monumentale Formen – Symbole von Macht, Begehren oder universellem Kampf – sind hier aus einem dichten Mosaik kleiner, unabhängiger Vignetten aufgebaut. Diese Szenen oszillieren zwischen großer philosophischer Untersuchung und roher Alltagserfahrung; sie spiegeln die Spannung zwischen unserem Streben nach höherem Sinn und dem Sog unmittelbarer, urwüchsiger Bedürfnisse wider. Indem abstrakte Themen wie Gewalt oder Sexualität in einer Vielzahl menschlicher Geschichten verankert werden, offenbart das Werk die fragile, oft fragmentierte Architektur unserer kollektiven Identität.
Convergence (Konvergenz)
Diese Serie untersucht die Architektur menschlicher Verbindung und die kollektive Suche nach Sinn. Innerhalb expansiver weißer Leerräume konvergieren figurative Cluster zu Momenten gemeinsamer Resonanz und erforschen das fragile Gleichgewicht zwischen individuellem Streben und kommunaler Hingabe.
Divergence (Divergenz)
Diese Serie erforscht die Schwelle des Aufbruchs und die Auflösung kollektiver Bindungen. Hier beginnen sich Figuren von der Gruppe zu lösen und driften in die weiße Leere ab. Die Arbeiten kartieren die Spannung zwischen der Sicherheit des Kollektivs und der radikalen, oft isolierenden Autonomie des Individuums.
Interference (Interferenz)
Diese Serie kartiert die Reibung zwischen Nähe und Isolation im Privatleben. Hier wird die weiße Leere durch starre, geometrische Gitter unterbrochen – eine visuelle Barriere, die den persönlichen Raum fragmentiert und durch die Szene schneidet. Die Spannung ist in Momenten spürbar, in denen menschlicher Impuls auf diese klinische Kulisse trifft, etwa bei einem Paar, das in einer leidenschaftlichen Umarmung vor der sterilen Oberfläche eines monochromen Gemäldes verloren geht. Diese Arbeiten fangen den beständigen Kampf um Verbindung in einer fragmentierten Realität ein.
Berlin, 2021
White Rooms Resonance Series
This ongoing body of work explores the dynamics of human existence within the architectural void of the white canvas. By balancing spontaneous figurative assertions with a rigorous, research-based practice, these paintings act as a laboratory for social and psychological phenomena. The series is structured into four thematic Themes—Convergence, Interference, Divergence, and Paradox—mapping the spectrum from communal devotion to the frictions of intimacy, the radical autonomy of the individual, and the contradictions of collective identity.
Within these works, the "white room" functions not as a mere background, but as a psychological null-variant. By stripping away conventional narrative settings, the figures are compelled to derive their meaning exclusively from their interactions or from the barriers imposed by rigid, geometric grids. This creates a distinct legibility-dichotomy: by oscillating between clear figurative representation and abstract opacity, the works compel the viewer to actively reconstruct the social fabric. Human connection is here never fixed; it is a state that is continuously negotiated and re-imagined.
This analytical approach is deepened by a fractal logic, most notably in the Paradox trajectory. Here, monumental forms—symbols of power, desire, or universal struggle—are constructed from a dense mosaic of independent vignettes. This "architecture of fragility" mirrors the sociological process in which our collective identity is built from a multitude of individual, often contradictory, micro-experiences. By anchoring abstract universal themes in the raw, immediate reality of human stories, the series reveals the fragmented, yet resilient, structure of our shared existence.
Process and Genesis
The series consists of works that emerge either spontaneously from figurative juxtapositions or from processes preceded by extensive research into social structures. Works such as Salome developed intuitively, inspired by films and reading. More complex images, like A Short History of Violence, are formed through numerous sketches, research materials, and preliminary studies.
From these processes, scenes of exemplary single images emerge—without any claim to objective readability. Rather than asserting interpretive authority, I play with ways of reading and habits of perception, balancing readability and unreadability through fragment-based artifacts of my preparatory work. I follow an educational impulse: to open up a possible reordering of things—for myself and for the viewer.
I work with a playful handling of object and subject through multiple systems of coding—enumeration, repetition, and juxtaposition. These codes, which can sharpen or relativize meaning, arise from the elements within the image, forming something like a visual or hieroglyphic script. My technical vocabulary utilizes pictorial writing, textbook and comic illustration, classical and contemporary techniques, drawing, and applied graphics.
The underlying research engages with a broad spectrum of themes: popular culture, social politics, philosophy, everyday mythology, sociology, art history, evolution, and lifestyle. Finally, the frequently used spectral colors in this series are based on a camera obscura that I built using my bedroom window. It projected an image of the lively street—approximately one square meter in size—onto my wall, bridging the gap between the mundane reality of the street and the abstracted "white room" of the canvas.
The Four Themes:
Paradox
This series explores the inherent contradictions of the human condition. Here, monumental forms—symbols of power, desire, or universal struggle—are built from a dense mosaic of small, independent vignettes. These scenes oscillate between grand philosophical inquiry and raw, everyday experience; they reflect the tension between our quest for higher meaning and the pull of immediate, primal needs. By anchoring abstract themes like violence or sexuality in a multitude of human stories, the work reveals the fragile, often fragmented architecture of our collective identity.
Convergence
This series examines the architecture of human connection and the collective search for meaning. Within expansive white voids, figurative clusters converge toward moments of shared resonance, exploring the fragile balance between individual intent and communal devotion.
Divergence
This series explores the threshold of departure and the dissolution of collective bonds. Here, figures begin to detach from the group, drifting into the white void. The works map the tension between the security of the collective and the radical, often isolating, autonomy of the individual.
Interference
This series maps the friction between proximity and isolation in private life. Here, the white void is interrupted by rigid, geometric grids—a visual barrier that fragments personal space and slices through the scene. The tension is palpable in moments where human impulse collides with this clinical backdrop, such as a couple lost in a passionate embrace before the sterile surface of a monochrome painting. These works capture the enduring struggle for connection in a fragmented reality.
Berlin, 2021
Grid Images
Behind the grids, the white surface of the canvas emerges while the original image recedes. The motif is destroyed and simultaneously reorganized.
The grids resemble the curtain in classical painting, giving the image a second frame. The subject is defined, emphasized, and fragmented at the same time.
An idea becomes alienated once it is materialized. Through the process of gridding, it initially remains unclear how the final image will appear. Yet the alienation of the idea takes on a structured form.
Herbert von Karajan once said: “Whoever destroys form also damages content.”
I reconnect variations of form and content until both correspond to an idea rooted in the original—and manage to surprise me.
Dresden, 2016
Kurator Marcel Fišer / Ausstellung Nadosah
Der Rückgriff auf die Malerei der alten Meister hat in der deutschen modernen Kunst eine starke Tradition, die von George Grosz und Otto Dix bis zu den Arbeiten der Leipziger Schule reicht. Diese Linie eines narrativen Realismus, in dem sich die soziale Thematik mit grotesken und fantastischen Elementen verbindet greift Jan Kilian Böttcher auf, indem er die dem Realismus oft eigene Komik und Symbolik freistellt, reflektiert er dessen Geschichte gleichwohl kritisch.
Die Szenen in seinen Bildern erinnern teils an Rituale, in denen rätselhafte Objekte oder nichtmaterielle Erscheinungen in die moderne Realität eingefügt werden.
Cheb, 2016
DIGITAL PRESENCES
Jan Kilian Böttchers digitale Kunstwerke vereinen bildhafte Beobachtungen und Computerkunst auf überraschende Weise mit der klassischen Kunsttradition. Dabei liegt der Reiz im bis ins Detail erlebten und durchdachten, im Handwerk und Experimentieren, fernab von Copy and Paste oder Künstlicher Intelligenz. Humorvoll und visuell präzise reflektiert er soziale und systemkritische Themen auf eine subtile und dennoch wirkungsvolle Weise. Die fast glamourösen Werke laden dazu ein, ihre facettenreichen Bedeutungen und unser digitales Zeitalter mit einem erfrischenden Blick zu betrachten, während Jan Böttcher Variationen von Ästhetik und menschlichem Verhalten beleuchtet.
Dabei erforscht er verschiedene Medien wie Computerkunst, Malerei, Zeichnung, Musik und Film, hinterfragt diese und erkundet ihre Grenzen, wodurch rätselhafte Situationen und optisch reizvolle Synergien entstehen.
– Thomas Weidel
Pixel Art
Inspiriert von der reichen Tradition der Pixel Kunst, die auf eine faszinierende Geschichte zurückblickt, eröffnet Böttcher nicht nur neue Perspektiven, sondern integriert auch sowohl neue moderne als auch altbekannte Archetypen. Die Ursprünge der Pixel Art reichen in die frühe Ära der digitalen Kunst zurück, als begrenzte technologische Ressourcen Künstler dazu zwangen, mit winzigen Bildpunkten (Pixeln) zu arbeiten. Diese technische Herausforderung entwickelte sich zu einem kreativen Ausdrucksmittel, das die Entfaltung eines einzigartigen visuellen Stils förderte.
In einer Zeit, in der Pixel Art nicht nur als technische Notwendigkeit, sondern als kunsthistorisches Erbe betrachtet wird, gelingt es Böttcher, durch seine Werke nicht nur die Tradition zu ehren, sondern auch neue narrative Dimensionen zu erschaffen. Dabei kombiniert er geschickt die Tradition der Pixel Art mit aktuellen Themen.
Diese meisterhafte Verbindung von traditionellen Wurzeln und moderner Ausdrucksform zeugt von einem tiefen Verständnis für die Kunstgeschichte und positioniert Böttcher als digitalen Künstler in einer faszinierenden kreativen Tradition.
- Thomas Weidel
Berlin, August 2022
DIGITAL PRESENCES (English)
Jan Kilian Böttcher's digital artworks skillfully combine visual observations and computer art in a surprising manner with the classical art tradition. The allure lies in the meticulously experienced and thoughtful approach, in craftsmanship and experimentation, far from copy and paste or artificial intelligence. With humor and visual precision, he reflects on social and system-critical themes in a subtle yet impactful way. The almost glamorous works invite viewers to consider their multifaceted meanings and our digital age with a refreshing perspective, as Jan Böttcher illuminates variations of aesthetics and human behaviors.
In doing so, he explores various media such as computer art, painting, drawing, music, and film, questioning them and exploring their limits, giving rise to mysterious situations and visually appealing synergies.
Pixel Art
Inspired by the rich tradition of pixel art, which has a fascinating history, Böttcher not only opens new perspectives but also integrates both new modern and familiar archetypes. The origins of pixel art trace back to the early era of digital art when limited technological resources compelled artists to work with tiny pixels. This technical challenge evolved into a creative means of expression, fostering the development of a unique visual style.
In an era where pixel art is considered not only a technical necessity but also a cultural heritage, Böttcher succeeds in honoring the tradition through his works and creating new narrative dimensions. Skillfully combining the tradition of pixel art with contemporary themes, he navigates through this artistic landscape.
This masterful fusion of traditional roots and modern expression attests to a profound understanding of art history, positioning Böttcher as a digital artist within a captivating creative tradition.
- Thomas Weidel
Berlin, August 2022
Bildserie: Social Scripts
Die Szenen nähern sich dem Ideal der Tragikomödie. Soziale Erzählfäden werden gespannt und verdichtet, kreuzen sich und erzeugen Momente, in denen nicht mehr klar ist, ob man lacht oder sich ertappt fühlt.
Die Arbeiten entstehen aus der Beobachtung sozialer Situationen – kleinen Verschiebungen im Alltag, Gesten, Rollenbildern, Statussignalen und dem Versuch, sich selbst und andere zu begreifen. Momente, in denen Menschen etwas darstellen wollen, während gleichzeitig etwas anderes durchscheint.
Gleichzeitig sind die Arbeiten nicht reine Beobachtung, sondern auch Konstruktion und Setzung. Sie bilden einen Gegenpol zu naturbezogenen Arbeiten, indem sie stärker mit Fragmentierung, Montage und bewusster Überzeichnung arbeiten.
Mich interessiert nicht die Erzählung als Ergebnis, sondern ihre Entstehung. Wie sie sich bildet, verschiebt und wieder bricht. Narration ist kein Inhalt, sondern ein Vorgang. Diesen greife ich auf und verarbeite daraus entstehende Evidenzgefühle, ohne sie zu entschärfen oder zu glätten.
Ich arbeite mit wiederkehrenden Figuren sozialer und kultureller Prägung: Klischees, Rollen, Statusverhalten, Scham, Überheblichkeit, Unsicherheit sowie die blinden Flecken im Umgang miteinander. Diese erscheinen in politischen, mythologischen, popkulturellen und kunsthistorischen Kontexten gleichermaßen.
Dafür nutze ich Gegenüberstellungen und Bildsprachen aus klassischer und moderner Malerei. Wie im Jazz setze ich ein einfaches System, das bewusst offen für Improvisation bleibt. Festgelegte Strukturen treffen auf freie Bewegungen zwischen Techniken, Perspektiven und Brüchen.
Humor spielt dabei eine zentrale Rolle – nicht als Verharmlosung, sondern als Methode der Distanzierung und Erkenntnis.
Im Zentrum steht das gleichzeitige Auftreten von Komik und Tragik – nicht als Gegensatz, sondern als kaum trennbare Bewegung im Alltag.
Berlin, Juni 2020
Social Scripts (Series)
The scenes approach an ideal of tragicomedy. Social narrative threads are stretched and condensed until they intersect and create moments where it is no longer clear whether one is laughing or feeling exposed.
The works emerge from the observation of social situations – small shifts in everyday life, gestures, role patterns, status signals, and the attempt to make sense of oneself and others. Moments in which people try to present something, while something else inevitably shows through.
At the same time, the works are not pure observation, but also construction and intervention. They form a counterpoint to my nature-based works by working more explicitly with fragmentation, montage, and deliberate exaggeration.
I am not interested in narrative as an outcome, but in its formation. How it emerges, shifts, and breaks apart again. Narration is not content, but process. I take this process as material and work with resulting felt senses of evidence, without smoothing or neutralizing them.
I work with recurring figures of social and cultural conditioning: clichés, roles, status behavior, shame, overconfidence, insecurity, and the blind spots in human interaction. These appear across political, mythological, pop-cultural, and art-historical contexts alike.
I use juxtapositions and visual languages drawn from classical and modern painting. Like in jazz, I establish a simple system that remains deliberately open to improvisation. Fixed structures meet free movement between techniques, perspectives, and disruptions.
Humor plays a central role – not as trivialization, but as a method of distance and insight.
At its core, the work is defined by the simultaneous presence of the comic and the tragic – not as opposites, but as an inseparable movement in everyday life.
Berlin, Juni 2020
Essays
Exkurs: Geschichten aus dem Alltagsgebrauch
Irgendwann wird man sich der Vergänglichkeit der eigenen Zeit bewusst
und stellt dennoch die merkwürdigsten Dinge an.
Bei allem Ernst befördert die Gegenwart von Tod und Vergänglichkeit –
wenn auch verdrängt – eine Kultur des Spaßes.
Stressgesellschaft und Spaßgesellschaft fordern einander heraus
und bedingen sich gegenseitig.
Ernst ist dabei meist ebenso angebracht wie unberechtigt.
So sind wir den Banalitäten zu großem Dank verpflichtet.
Kennen Sie eine Alternative zu Spaß?
Ich kenne keine zu Ernst.
War nur Spaß.
Berlin, Juli 2020
Everyday Stories
At some point, one becomes aware of the finiteness of one’s time
and still ends up doing the strangest things.
For all its seriousness, the presence of death and impermanence—
even when suppressed—feeds a culture of fun.
The stress society calls for a fun society,
and vice versa.
Seriousness is often as justified as it is unjustified.
For this reason, we owe a great deal to banality.
Do you know an alternative to fun?
I know none to seriousness.
Just kidding.
Berlin, Juli 2020
Keingedicht – Ich sage zu mir immer wir
Eine kurze Un-Geschichte aus der Serie „White Room Resonances / Weiße Räume“
"In weißen Räumen Gegenstände und Figuren zu platzieren, gleicht dem Moment, in dem ein blinder Passagier andere Passagiere und Gegenstände in der Straßenbahn weiß anstreicht, wodurch diese einander ähnlicher werden."
Nehmen wir an, Sie wären Präsidentin oder Präsident oder so.
Sie sitzen auf dem bequemsten Sessel des Landes, wenn nicht gar der ganzen Welt. (Fühlt sich doch ganz okay an, oder?) In den letzten zehn Sekunden der Amtszeit möchten wir zufällig ein echt großes Problem endgültig lösen. Eines, das außerdem die Probleme unserer Kinder löst. Neben dem bequemsten Sessel wähnen wir uns zufällig auch im Besitz der besten Minibar des Landes. (Nur eine Info.)
Die zwei Themen, die uns unsere Beraterin oder unser Berater – oder wer auch immer – auf den Tisch legt, sind die Watergate-Affäre und die Nipplegate-Affäre. (Bei der Nipplegate-Affäre übertrug MTV live, wie Janet Jacksons rechte Brust von Justin Timberlake entblößt wurde. Die Watergate-Affäre war ein Abhörskandal unter Präsident Nixon – an sich nichts Ungewöhnliches und wäre vermutlich nicht weiter aufgefallen, hätte Nixon ein bis zwei Fehler weniger gemacht: Erstens verwanzte er sich ausgerechnet selbst und lieferte das belastende Material frei Weißhaus. Zweitens verstießen seine Ambitionen gegen so ziemlich jede denkbare Form von Anstand.)
Welches Thema wählen Sie?
Die Tageszeit und Menge der zur Verfügung stehenden Genussmittel könnten eine Entscheidung beeinflussen. Ist ja auch Stress so ein Job.
Bush und Nixon zum Beispiel waren – sagen wir: nicht gerade nüchtern. (Mehr als die Hälfte der US-Präsidenten litt zufällig unter schwerwiegenden psychischen und physischen Krankheiten oder einer Alkoholsucht, so wie der aktuelle EU-Parlamentspräsident oder die aktuelle EU-Parlamentspräsidentin. Nur eine Info).
Bush überwand die Sucht (etwas später) und trat einer Methodistenkirche bei. Spricht eher für Nipple-Problemlösungen.
Wie löst man solche Probleme?
Fragen über Fragen. Denken Sie nur, tatsächlich gibt es viele Menschen, denen diese oder ähnlich affärige Entscheidungen schwerfallen. Natürlich ist das nur ein Fall von vielen, der impliziert, mit der Wirklichkeit etwas zu tun zu haben, was selbstredend nicht der Fall ist, aber darum geht es ja.
In weißen Räumen Gegenstände und Figuren zu platzieren, gleicht dem Moment, in dem ein blinder Passagier andere Passagiere und Gegenstände in der Straßenbahn weiß anstreicht, wodurch diese sich ähnlicher werden.
Das relativiert nicht alles, aber zum Beispiel Hautfarben.
Es gilt historisch als bewiesen, dass sich Politiker und Politikerinnen wesentlich leichter austauschen lassen, wenn man sie zuvor mit weißer Farbe bemalt.
Menschliche Wahrnehmung ist erhaben, sie verschafft jedem Realisten und jeder Realistin Naivität, während das Bewusstsein der eigenen Unkenntnis unheimlich erleichtern kann.
Berlin, Juni 2020
Artist Statement: Diplom Thesis - Ausstellung | HfBK Dresden (2013)
In meiner Diplomarbeit untersuchte ich die Schnittstellen zwischen religiöser Mythologie, politischer Ideologie und zeitgenössischen Verschwörungserzählungen. Die malerische Auseinandersetzung fungierte dabei als Archiv und Kommentar. Während ich für die Arbeit zum Heiligen Antonius den Zusammenhang von Askese, ekstatischen Halluzinationen und verdrängter Sexualität in Gesprächen mit Theologen und Bibelstudien erforschte, näherte ich mich anderen Sujets durch Exkursionen in digitale Subkulturen.
So hinterfragte ich etwa die Ästhetik von ‚Chemtrail‘-Verschwörungstheorien durch eine bewusste Materialität. Bei der Arbeit zur „Reichsbürger“-Szene wählte ich eine spezifisch ‚braune‘ Palette, um die historische und ideologische Schwere auf deutschem Boden malerisch erfahrbar zu machen. Das klassisch lasierte Braun – und biblische Sujets an sich – stießen bei vielen Kommilitonen auf Unverständnis, ein spannendes Feedback. Es spiegelte wohl eine gewisse Sättigung wider: Mir fiel früh während regelmäßigen Besuchen in der Dresdner Gemäldegalerie Alte Meister auf, dass abgesehen von Kunststudenten alle Gesellschaftsgruppen repräsentiert waren. Die Kombination aus ‚Braun‘ und klassischer Referenz war ein ästhetischer Overkill, während für mich genau diese Reibung der Kern der Auseinandersetzung war.
Besonders bezeichnend war dabei meine zufällige Entdeckung der Reichsbürger in den Untiefen digitaler Foren. 2013 war von diesem Phänomen in den Medien noch nichts zu spüren; während ich mich beim Durchforsten von Internet-Foren-Abgründen wie ein „Beobachter von einem anderen Stern“ fühlte, der eine vollkommen absurde, isolierte Randerscheinung dokumentiert, war noch nicht im Geringsten abzusehen, wie groß diese Bewegung werden würde. Damals wirkten Posts von Menschen, die der Polizei erklärten, sie seien aufgrund ihrer Wohnsitznahme im „Deutschen Reich“ von der Pflicht zum Führerschein befreit, wie ein skurriles Nischenthema der digitalen Peripherie – weit entfernt von der späteren medialen Dominanz der „Reichsbürger“-Szene, die Jahre später in Terror, Anschlägen und Massenverhaftungen münden sollte.
Was damals als intuitive Recherche begann, entwickelte sich zu meiner künstlerischen Arbeitsweise: Die investigative Auseinandersetzung mit Sujets.
Die Arbeit verdeutlichte mir: Narrative entfalten ihre Wirkung häufig dort, wo kulturelle Sättigung in kollektives Wegschauen umschlägt. Gerade dort, wo Bilder nicht mehr aktiv betrachtet oder diskutiert werden, können sie sich politisch aufladen und als Tabu erscheinen. Durch Sichtbarmachung und ästhetische Auseinandersetzung können sie in den Bereich des Sag- und Verhandelbaren überführt werden.
Künstlerische Praxis verstehe ich als Eröffnung eines ergebnissoffenen Raumes, der widersprüchliche Bildwelten sichtbar macht und in dem Ambivalenzen ausgehalten und verhandelt werden können. Die malerische Stofflichkeit erscheint mir als verlangsamendes Medium. Sie ermöglicht eine körperlich-sinnliche Erfahrung von Spannung und Reibung – als Gegenmodell zur schnellen Konsumierbarkeit politischer Inhalte.
Im Kontrast dazu stehen psychologisch geprägte Arbeiten zu Familien- und Alltagsszenen, die sich auf zwischenmenschliche Konstellationen konzentrieren. Beide Werkgruppen verbindet die Frage nach der Entstehung von Wirklichkeitsbildern sowie nach den Grenzen von Wahrnehmung, Sprache und Zeichen, durch die wir Wirklichkeit lesen.
Bildlichkeit wird dort politisch, wo Wahrnehmung, Sprache und Deutung an ihre Grenzen stoßen und Bedeutung nicht mehr eindeutig stabilisiert werden kann.
Die Ausstellung war das Resultat einer Suche nach einer Einheit von Empfindung und kritischer Distanz. Ich bin der HfBK Dresden dankbar für die Förderung meiner künstlerischen Forschung und den Raum, in dem diese Arbeiten damals zur Debatte gestellt werden konnten. Alles in allem war dies ein Versuch, die Komplexität von Mythen und Ideologien in Öl und Acryl zu fassen – der Raum für neue Arbeiten ist seitdem jedenfalls wieder frei.
Berlin, 2016/2020
From HfBK Dresden to DOX Prague: Pavel Vancat on the Diploma Exhibition
Following the diploma exhibition at HfBK Dresden, this work was selected by curators Marcel Fišer and Pavel Vancat for the STARTPOINT PRIZE at the DOX Centre for Contemporary Art in Prague. Pavel Vancat’s critical review of the exhibition reads as follows:
"The paintings of Jan Kilian Böttcher are a playful attempt at ‘traditional’ images, with an awareness of their own exaggeration and vanity, returning (often as parody) to postwar neo-realism in terms of their ambiguous sense of engagement, ironically transplanted into the current situation of post-communist Germany.
Allusions to classical mythological themes are interspersed with Communist ideology and punk earthiness, only to finally reveal the comics-derived basis of the cycle, with the last image hidden behind the heating unit next to the fire extinguisher. It is a painting that possesses a quality of directness—not as an autotelic attempt, but as a confident and entertaining narrative."
Prague, Dec 2013
Artist Statement: Diploma Thesis Exhibition | HfBK Dresden (2013)
In my diploma thesis, I explored the intersections of religious mythology, political ideology, and contemporary conspiracy narratives. My painterly engagement functioned simultaneously as an archive and a commentary. While my research for the work on Saint Anthony investigated the link between asceticism, ecstatic hallucinations, and repressed sexuality—conducted through dialogues with theologians and biblical studies—I approached other subjects through excursions into digital subcultures.
For instance, I interrogated the aesthetics of "chemtrail" conspiracy theories through a deliberate materiality. In my work concerning the "Reichsbürger" scene—a movement that rejects the legitimacy of the modern German state, often drawing on pseudo-legal arguments to claim the existence of the "German Reich"—I chose a specifically "brown" palette. This was intended to make the historical and ideological weight of the German context physically palpable through paint. (In the German context, the color brown is historically coded as a direct reference to National Socialism). This classic, glazed brown—much like the biblical motifs themselves—was met with confusion by many of my fellow students; a fascinating feedback. It likely reflected a certain fatigue: I noticed early on, during regular visits to the Dresden Old Masters Picture Gallery, that outside of the art student body, these spaces were rarely frequented by the general public. The combination of "brown" and classical reference acted as an aesthetic overkill, yet to me, this precise friction was the core of the inquiry.
Particularly revealing was my chance discovery of the "Reichsbürger" scene in the depths of digital forums. In 2013, this phenomenon was not yet visible in mainstream media. While browsing these digital abyss-like forums, I felt like an "observer from another planet," documenting an entirely absurd and isolated phenomenon. At that time, it was impossible to foresee how massive this movement would become. Posts from individuals explaining to the police that they were exempt from driver’s license requirements due to their legal residency in the "German Reich" seemed like a bizarre, niche topic of the digital periphery—far removed from the later media dominance of the "Reichsbürger" scene, which would eventually culminate in acts of terror, attacks, and mass arrests.
What began as intuitive research evolved into my artistic methodology: an investigative engagement with subjects.
This work clarified for me that narratives often unfold their impact precisely where cultural saturation shifts into collective turning-away. It is exactly where images are no longer actively observed or discussed that they can become politically charged and appear as taboos. Through visualization and aesthetic engagement, they can be transferred into the realm of the discussable and negotiable.
I understand artistic practice as the opening of an open-ended space that makes contradictory image-worlds visible and allows for the endurance and negotiation of ambivalences. Painterly materiality appears to me as a medium of deceleration. It enables a physical-sensual experience of tension and friction—a counter-model to the rapid consumability of political content.
In contrast, my psychologically driven works on family and everyday scenes focus on interpersonal constellations. Both groups of work are connected by the question of how images of reality are formed, as well as the limits of perception, language, and the signs through which we read reality.
Imagery becomes political precisely where perception, language, and interpretation hit their limits, and where meaning can no longer be clearly stabilized.
The exhibition was the result of a search for a unity of sensation and critical distance. I am grateful to the HfBK Dresden for supporting my artistic research and for providing the space where these works could be debated at the time. All in all, this was an attempt to capture the complexity of myths and ideologies in oil and acrylic—the space for new work, in any case, has been clear ever since.
Berlin, Juni 2020
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